مثير للإعجاب

بلاد ما بين النهرين: تاريخ الموضة

بلاد ما بين النهرين: تاريخ الموضة



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

>

يقدم هذا الفيديو تفاصيل كافية عن الأزياء والشعر والمكياج (ذكورًا وإناثًا) من بلاد ما بين النهرين ، وتحديداً السومريين الذين عاشوا في المنطقة الجنوبية من العراق الحديث.


أرشيفات الموضة: نظرة على تاريخ أقمشة الكتان

جاكيتات إيلين فيشر كتان

بالعودة إلى أيام الحضارة المبكرة ، لم تكن الملابس (من الواضح) هي الأكثر بريقًا. أي أنك سترمي جلد حيوان وتسميه يومًا. القماش كما نعرفه اليوم لم يكن موجودًا ، ولذا كانت الملابس ثقيلة وربما قاسية جدًا.

لحسن الحظ ، نحن البشر مخلوقات واسعة الحيلة ، وسوف نكتشف الألياف التي ألهمت الأقمشة التي نعرفها اليوم: الكتان.

الكتان جميل وناعم ، وربما كان أقدم المنسوجات المعروفة. على سبيل المثال ، في دولة جورجيا ، اكتشف علماء الآثار ألياف الكتان التي يبلغ عمرها 34000 عام والتي من الواضح أنها صُبغت بألوان زاهية وجميلة من قبل أسلافنا المبدعين.

في الواقع ، بمجرد أن وصلت الحضارة إلى مرحلة القدرة على زراعة الأرض ، أصبح هذا بمثابة تغيير لقواعد اللعبة بالنسبة للملابس والأقمشة. بدأ الناس في زراعة الكتان ، ومن هذا النبات تم تصنيع الكتان. تم نسج الألياف في النسيج وتم التخلص من الجلود لصالح هذه المادة الخام الأكثر قابلية للإدارة (وربما الأنظف).

نظرًا لأن نبات الكتان موطنه الأصلي في العديد من الأماكن حول العالم ، من شمال إفريقيا إلى الهند إلى أوروبا الغربية ، فإن للكتان جذورًا وتاريخًا في مجموعة متنوعة من الثقافات.

في بلاد ما بين النهرين، فإن عملية زراعة وتصنيع الكتان التي تتطلب عمالة مكثفة جعلت منه ذا قيمة عالية للغاية. لدرجة أن الملوك أو القادة الدينيين فقط مثل الكهنة يمكن اعتبارهم جديرين بارتدائه ، أو حتى تحمله.

في مصر القديمة، تم أيضًا تقدير الكتان لندرته ، ولكن هناك عوامل أخرى ساهمت في قيمته أيضًا. أدرك المصريون أن جودة الكتان خفيف الوزن ومقاوم للحشرات والفتائل ويطرد الرطوبة - مما يجعله مثاليًا للمناخ الحار. بالإضافة إلى ذلك ، كانت النظافة في الثقافة المصرية القديمة مهمة للغاية ، واعتبر الكتان ، بخصائصه المضادة للميكروبات وملمسه الناعم ، مادة نقية. في الواقع ، كان يُعتقد أنه كلما كان النسيج أكثر بياضًا ، كان الثوب أنقى ، حتى أنه ذهب إلى حد تسميته "ضوء القمر المنسوج".

بمعرفة كل هذا ، فليس من المستغرب أن الكهنة المصريين سُمح لهم فقط بارتداء الكتان. كان الطلب مرتفعًا على القماش (واللون الأبيض الساطع) لاستخدامه في طقوس مختلفة. في ذلك الوقت ، كانت وظيفة "Chief Royal Bleacher" مهنة فعلية ، وإن كانت مهنة صارمة. يصور الفن منذ ذلك الوقت عملية مكثفة تتمثل في رفع النسيج وتنظيفه ، وطحنه على حجر ، وفرك القماش بالجلد ، والتكرار حتى يمكن أخيرًا وضعه ليجف في الشمس. تم الاعتناء بالكتان جيدًا ، لدرجة أنه عندما اكتشف علماء الآثار الفرعون توت عنخ آمون في عام 1922 ، تم الحفاظ على أجزاء من لفائف الكتان التي كانت تغطي الجسم بشكل مثالي تقريبًا ، على الرغم من القرون التي مرت.

عندما رومية احتلوا مصر في القرن الرابع قبل الميلاد ، واتخذوا من الكتان في الاتجاه المعاكس تمامًا. بينما تميزت الأقمشة المصرية ببياض بياض البيض ، جلب الرومان معهم صبغات زاهية ومشرقة.

تحدث بليني الأكبر في كتاباته عن منافسة استضافها الإسكندر الأكبر بينما كان يبحر في نهر السند. بصفته أول رجل يحاول صبغ الكتان ، قدم تحديًا لجنرالاته: من يمكنه صبغ أشرعته باللون الأكثر لفتًا للنظر؟ حتى أنه كان لديه متفرجون من ضفاف النهر يعملون كقضاة أثناء إبحار السفن. استمر جنون اللون الروماني في عهد قيصر. حتى أن الديكتاتور أمر المظلات المصنوعة من الكتان التي امتدت عبر كامل المنتدى الروماني بأن تكون "مصبوغة باللون الأزرق ومرصعة بالنجوم".

جلب التجار الفينيقيون الكتان لأول مرة إلى أوروبا حوالي 900 قبل الميلاد ، وأنشأ الرومان مصانع الكتان في كل من بريطانيا والغال من أجل مواكبة العرض والطلب لقواتهم الاستعمارية. ومع ذلك ، لم يبرز استخدامه داخل أوروبا حتى العصور الوسطى.

تم قطع جميع أنواع الملابس من قماش الكتان ، وبحلول القرن السادس عشر ، كانت زراعة الكتان منتشرة على نطاق واسع. بدلاً من أن يكون محجوزًا لقلة مختارة ، انتشر النسيج بشكل كبير.

خلال القرن السابع عشر ، نشأت صناعة "الكتان الأيرلندي" الكلاسيكي. دفع إيرل سترافورد ولاحقًا دوق أورموند الصناعة إلى الأمام لتجنب التنافس مع تجارة الصوف الإنجليزية.

جلب سترافورد خبراء من أجزاء أخرى من أوروبا لتقديم المشورة ، واستورد المعدات الهولندية بالإضافة إلى بذور الكتان عالية الجودة. انطلقت الصناعة على مدار القرون التي تلت ذلك ، وأصبح الكتان الأيرلندي من المنسوجات الخالدة والمحترمة.

لم يتغير الكثير عن العملية - في الوقت الحاضر لا يزال الكتان الأيرلندي منسوجًا في المناطق التقليدية التي تأسست فيها الصناعة ، من قبل أحفاد أولئك الذين بدأوا في التجارة. على الرغم من أن الصناعة الحديثة أصغر بكثير (ويرجع ذلك جزئيًا إلى المنافسة على الأقمشة الأرخص والأقل جودة) ، إلا أنها لا تزال تزدهر اليوم.

اليوم ، يظهر الكتان في الموضة أكثر فأكثر لأسباب متنوعة. فيما يتعلق بالاستدامة ، يعتبر الكتان أمرًا منطقيًا - فالألياف الطبيعية أفضل للبيئة ، وهي بديل ممتاز للقطن.

بالإضافة إلى ذلك ، تمنحه الجودة والأداء إحساسًا فاخرًا ، حتى عند استخدامه في الملابس الكاجوال. كان النسيج يظهر في العديد من الملصقات البارزة.


أرشيفات الموضة: تاريخ الهامش

عاد هامش (الزخرفة الزخرفية على الملابس ، وليس النسخة البريطانية من الانفجارات) إلى مشهد الموضة مؤخرًا. يمكنك ملاحظة استخدامه في مجموعة متنوعة من الأساليب ، من السترات الواقية من الجلد المدبوغ إلى فساتين الحفلات الفاتنة.

من المؤكد أن هذا الزخرفة يتجه - على الرغم من أن هذا مجرد واحد من العديد من النهضات. في الواقع ، كان الزخرفة الهامشية في الموضة وخارجها لأكثر من مائة عام ، وهي موجودة منذ قرون.

بلاد ما بين النهرين القديمة

نشأت الهامش في 3000 قبل الميلاد. في بلاد ما بين النهرين ، أو العراق الحالي. يُعتقد أنه تم ارتداؤه على نطاق واسع في العديد من الحضارات ، ومن جميع طبقات الناس. على الرغم من عدم وجود دليل مادي على هامش بلاد ما بين النهرين اليوم ، فقد ترك الناس في هذه الفترة وراءهم منحوتات مفصلة وتماثيل وحسابات مكتوبة تعطينا صورة لما كان عليه هذا الزخرفة القديمة.

تم استخدام الهامش بشكل أساسي في التنانير والشالات ، وتستخدم لتزيين الملابس المنسوجة من القطن أو الكتان (وللأثرياء ، الحرير.) وقد جاء في مجموعة متنوعة من الأساليب المعلقة بشكل مستقيم أو معقود أو مربوطة في تصميمات فريدة من نوعها.

في السنوات الأخيرة من بلاد ما بين النهرين ، أصبح الهامش أكثر تفصيلاً بشكل متزايد. تضمنت الموضات أطرافًا مصبوغة بجميع أنواع الظلال ، أو طبقات في طبقات ، لتزيين الثوب بأكمله.

كان الهامش مهمًا جدًا لثقافة بلاد ما بين النهرين لدرجة أنه تم استخدامه كنوع من التوقيع على العقود المهمة. بدلاً من التوقيع على أسمائهم أو استخدام الختم ، كان الرجال يضغطون على أطرافهم في عقد من الطين - لقد كانوا فريدين جدًا.

جزء من الثقافة الأمريكية الأصلية

يُنسب إلى الأمريكيين الأصليين أيضًا كونهم من أوائل من قاموا بدمج هامش في ملابسهم. عادة ما يتم إنشاء هذا الزخرفة بشكل منفصل عن بقية الملابس ، مع قطع النسيج إلى شرائط أو لفها في حبال.

كان الجلد أو الجلد المدبوغ هو المادة المفضلة. بالنسبة للعديد من القبائل ، خدم الهامش مجموعة متنوعة من الأغراض سواء كانت زخرفية وعملية. على سبيل المثال ، ساعد هذا النوع من الزخرفة مرتديها على صد مياه الأمطار - سوف تنتقل قطرات المطر إلى أسفل الشرابات وبعيدًا عن الجسم.

كان Fringe أيضًا في البداية شكلاً من أشكال الاستدامة للأمريكيين الأصليين. في تصميمات الملابس ، كان من الشائع عدم تقليم اللحامات ، حيث كان هذا يعتبر إهدارًا.

كان هذا صحيحًا بشكل خاص بالنسبة للملابس الجلدية ، حيث استغرق تحضير الجلود وقتًا طويلاً. بدلاً من ذلك ، تم قص اللحامات في هامش لإضفاء مظهر أكثر تزيينيًا. تم تحويل أي مادة زائدة أخرى إلى هامش واستخدامها لتزيين الملابس. يمكن استخدام الحواف كما هي ، أو مزينة بالخرز أو الأصباغ.

العصر الذهبي للهامش

كانت عشرينيات القرن العشرين هي العصر الذهبي الساحر للأطراف. من السهل التعرف على أزياء هذا العقد - كانت الفساتين فضفاضة ، مقطوعة من الأقمشة الفاخرة ، وتنتهي بزخرفة مهدبة.

يعود الفضل إلى المصممين مادلين فيونيت وتشارلز وورث في الريادة في إصدار العشرينات من الأزياء المهدبة. ابتكرت وورث فستانًا فضيًا "بهرجًا" ، بينما تميزت نسخة Vionette بطباعة زهرية جريئة مزينة بشراشيب طويلة واسعة.

فستان واحد على وجه الخصوص ، تشارلستون (الذي سمي على اسم الرقص) كان مغطى بالكامل بالهامش. كان فستانًا شائعًا للحفلات بسبب تأثير خاص - عند الرقص ، كانت الحافة تتحرك وتهتز جنبًا إلى جنب مع مرتديها ، وأحيانًا تكشف عن وميض من الساق.

قام العديد من المشاهير من هذه الحقبة بدمج مظاهر مهدبة براقة في خزانات ملابسهم. كان جوان كروفورد وأوليف بوردن وكلوديت كولبير من بين العديد ممن أحبوا هذا الزخرفة.

حافة متمردة

سقطت فرينج لفترة وجيزة عن الموضة لبضع سنوات ، وعندما عادت في الخمسينيات ، اتخذت ميزة أكثر تمردًا. بدأت السترات الجلدية لراكبي الدراجات النارية تتميز بتفاصيل مهدبة - كانت سترات وقفازات Hell’s Angels للدراجات النارية تزين بها في كثير من الأحيان.

في الوقت نفسه ، أصبحت السترات الجانبية لإلفيس بريسلي جزءًا من مظهره المميز. كان Fringe أيضًا تقليمًا عصريًا لمغنيات الشاشة الفضية مثل Rita Hayworth. في عام 1952 ، ارتدت ثوبًا مذهلاً مغطى بالكامل بالترتر والهامش.

1960 & # 8217 و 1970 & # 8217 ثانية

ظهرت أنماط الهامش في دائرة كاملة في الستينيات والسبعينيات ، عندما أصبح العديد من المصممين مستوحى من الهامش الأصلي الأمريكي الأصلي ، بالإضافة إلى أنماط من إفريقيا.

ابتكر إيف سان لوران مجموعتين مليئتين بالشراشيب في عام 1967 ، وارتدى العديد من المشاهير سترات وفساتين من جلد الغزال.

لقد أصبح مظهرًا مبدعًا بشكل خاص لشير ، التي دمجت الهامش في كل من ملابسها غير الرسمية والسهرة. من يستطيع أن ينسى العباءات المهدبة الفاحشة التي ارتدتها في العروض ومقاطع الفيديو الموسيقية؟

اليوم ، كان الهامش يتجه خلال الموسمين الماضيين. شوهدت على مدارج ديريك لام وإيدون وهوجو بوس وديان فون فورستنبرغ وآنا سوي وبرابال غورونغ ، على سبيل المثال لا الحصر. إنه اتجاه يستمر في الظهور ، وربما يبقى هنا.


محتويات

كان تطور صناعة المنسوجات والملابس في عصور ما قبل التاريخ موضوع عدد من الدراسات العلمية منذ أواخر القرن العشرين. [3] [4] وقد ساعدت هذه المصادر في توفير تاريخ متماسك لهذه التطورات في عصور ما قبل التاريخ. تشير الدلائل إلى أن البشر ربما بدأوا في ارتداء الملابس منذ 100000 إلى 500000 عام. [5]

التبني المبكر للملابس تحرير

يشير التحليل الجيني إلى أن قمل جسم الإنسان ، الذي يعيش في الملابس ، ربما يكون قد انحرف عن قمل الرأس منذ حوالي 170 ألف عام ، مما يدعم الأدلة على أن البشر بدأوا يرتدون الملابس في هذا الوقت تقريبًا. تسبق هذه التقديرات أول هجرة بشرية معروفة من إفريقيا ، على الرغم من أن الأنواع الأخرى من البشر الذين ربما ارتدوا الملابس - وشاركوا في تفشي القمل - يبدو أنهم هاجروا في وقت سابق.

يرجع تاريخ إبر الخياطة إلى ما لا يقل عن 50000 عام (كهف دينيسوفا ، سيبيريا) - وهي مرتبطة بشكل فريد [ التوضيح المطلوب ] مع نوع بشري غير البشر المعاصرين ، أي H. Denisova / H. التاي. أقدم مثال ممكن هو منذ 60 ألف عام ، تم العثور على نقطة إبرة (جذع وعين مفقودان) في كهف سيبودو ، جنوب إفريقيا. تم العثور على أمثلة مبكرة أخرى للإبر التي يعود تاريخها إلى ما قبل 41000 إلى 15000 سنة في مواقع متعددة ، على سبيل المثال سلوفينيا وروسيا والصين واسبانيا وفرنسا.

تم العثور على أقدم ألياف الكتان المصبوغة في كهف ما قبل التاريخ في جورجيا ويعود تاريخها إلى 36000. [6]

تمثال فينوس "Venus of Lespugue" الذي يبلغ من العمر 25000 عام ، والذي تم العثور عليه في جنوب فرنسا في جبال البرانس ، يصور تنورة من القماش أو من الألياف الملتوية. تماثيل أخرى [ أي؟ ] من أوروبا الغربية كانت مزينة بقبعات أو قبعات سلة ، وأحزمة عند الخصر ، وشريط من القماش ملفوف حول الجسم فوق الصدر مباشرة. كانت تماثيل أوروبا الشرقية ترتدي أحزمة ، معلقة منخفضة على الوركين وأحيانًا التنانير الخيطية.

اكتشف علماء الآثار القطع الأثرية من نفس الفترة التي يبدو أنها استخدمت في فنون النسيج: (5000 قبل الميلاد) مقاييس الشبكة وإبر المغزل وعصي النسيج. [ بحاجة لمصدر ]

توسعت المعرفة بالمنسوجات والملابس القديمة في الماضي القريب بسبب التطورات التكنولوجية الحديثة. [7] من المحتمل أن النسيج الفعلي الأول ، على عكس الجلود المخيطة معًا ، كان محسوسًا. [ بحاجة لمصدر ] تم اكتشاف أول نسيج معروف من أمريكا الجنوبية في كهف جيتارريرو في بيرو. تم نسجه من ألياف نباتية ويعود تاريخه إلى 8000 سنة قبل الميلاد. [8] تم العثور على أمثلة باقية من Nålebinding ، وهي طريقة نسيج مبكرة أخرى ، في إسرائيل ، ويعود تاريخها إلى 6500 قبل الميلاد. [9]

يلوح في الأفق تحرير

منذ ما قبل التاريخ وحتى أوائل العصور الوسطى ، بالنسبة لمعظم أوروبا والشرق الأدنى وشمال إفريقيا ، هناك نوعان رئيسيان من النول يسيطران على إنتاج المنسوجات. هذه هي النول ذو الثقل السداة والنول ثنائي الشعاع. يحدد طول عارضة القماش عرض القماش المنسوج عليها ، ويمكن أن يصل عرضه إلى 2-3 أمتار. النوع الثاني هو النول ثنائي الشعاع. [10] غالبًا ما كانت الملابس المنسوجة المبكرة تُصنع من نول بعرض كامل ملفوف أو مربوط أو مثبت في مكانه.

تحرير الحفظ

تختلف معرفتنا بالثقافات اختلافًا كبيرًا مع الظروف المناخية التي تتعرض لها الرواسب الأثرية في الشرق الأوسط ، وقد وفرت الأطراف القاحلة للصين العديد من العينات المبكرة جدًا في حالة جيدة ، ولكن التطور المبكر للمنسوجات في شبه القارة الهندية وأفريقيا جنوب الصحراء والأجزاء الرطبة الأخرى من العالم لا تزال غير واضحة. في شمال أوراسيا ، يمكن لمستنقعات الخث أيضًا الحفاظ على المنسوجات جيدًا.

تجارة المنسوجات في العالم القديم

خلال العصر الحجري الحديث والعصر البرونزي ، وفرت الأراضي الخصبة لسهوب أوراسيا مكانًا لشبكة من المجتمعات البدوية للتطور والتفاعل. لطالما ربط طريق السهوب مناطق القارة الآسيوية بالتجارة ونقل الثقافة ، بما في ذلك الملابس.

حوالي 114 قبل الميلاد ، بدأت أسرة هان ، [11] طريق الحرير التجاري. جغرافيًا ، طريق الحرير أو طريق الحرير عبارة عن سلسلة مترابطة من طرق التجارة القديمة بين تشانغآن (شيان اليوم) في الصين ، مع آسيا الصغرى والبحر الأبيض المتوسط ​​الممتدة لأكثر من 8000 كم (5000 ميل) في البر والبحر. كانت التجارة على طريق الحرير عاملاً هامًا في تطور الحضارات العظيمة للصين ومصر وبلاد ما بين النهرين وبلاد فارس وشبه القارة الهندية وروما ، وساعدت في إرساء أسس العالم الحديث. كان تبادل المنسوجات الفاخرة هو السائد على طريق الحرير ، الذي ربط التجار والتجار والحجاج والرهبان والجنود والبدو وسكان المدن من الصين إلى البحر الأبيض المتوسط ​​خلال فترات زمنية مختلفة.

تحرير الشرق الأدنى القديم

قد تكون أقدم المنسوجات المنسوجة المعروفة في الشرق الأدنى هي أقمشة الكتان المستخدمة في لف الموتى ، والتي تم التنقيب عنها في موقع من العصر الحجري الحديث في تشاتالهويوك في الأناضول ، ومفحمة ، و "محمية بعدة طبقات من الطين / الجص ، في بيئة لا هوائية. مخبوز "أو" مطبوخ بالبخار "[12] في نار وكربون مشع مؤرخ إلى ج. 6000 ق. [13] يوجد دليل على زراعة الكتان من ج. عام 8000 قبل الميلاد في الشرق الأدنى ، لكن تربية الأغنام باستخدام الصوف الصوفي بدلاً من الشعر يحدث بعد ذلك بكثير ، ج. 3000 قبل الميلاد. [13]

في بلاد ما بين النهرين ، كانت ملابس السومري العادي بسيطة للغاية ، خاصة في الصيف ، في الشتاء يرتدي ملابس مصنوعة من فراء الأغنام. حتى الرجال الأثرياء تم تصويرهم بجذع عارية ، ويرتدون نوعًا من التنورة القصيرة ، والمعروفة باسم كونيكبينما كانت المرأة ترتدي فستاناً طويلاً حتى كاحليها. كان الملك يرتدي سترة ، معطف يصل إلى ركبتيه ، مع حزام في المنتصف. مع مرور الوقت ، أدى تطور حرفة نسج الصوف إلى تنوع كبير في الملابس. وهكذا ، في نهاية الألفية الثالثة قبل الميلاد وبعد ذلك ، كان الرجال يرتدون سترة بأكمام قصيرة وحتى فوق الركبتين ، مع حزام (كان الأغنياء يرتدون عباءة من الصوف). تميزت الفساتين النسائية بتصميمات أكثر تنوعًا: بأكمام أو بدون أكمام ، ضيقة أو واسعة ، طويلة عادةً وبدون إبراز الجسم [14]

عُثر على خطاف حزام عظمي محتمل في طبقات العصر البرونزي في يانيك تيبي ، من شمال شرق بحيرة أورميا (إيران)

التماثيل السومرية للمصلين (ذكور وإناث) 2800-2400 قبل الميلاد (فترة الأسرات المبكرة) المتحف الوطني العراقي (بغداد)

الإله أبو (؟) وتمثال أنثى صغير 2800-2400 قبل الميلاد (فترة الأسرات المبكرة) من ميدان معبد أبو في تل أسمر (إشنونا القديمة (العراق)) متحف العراق الوطني. أصبح قماش الخاصرة عبارة عن تنورة بشكل ملحوظ وتقلصت الخصلات الملتوية إلى هامش [15]

ال تمثال إبيه إيل ج. 2400 قبل الميلاد الجبس والشست والأصداف واللازورد الارتفاع: 52.5 سم متحف اللوفر (باريس)

تحرير الهند القديمة

أسفرت الحفريات في مواقع حضارة وادي السند حتى الآن عن عدد قليل من خيوط القطن الملتوية ، في سياق حبل متصل ، لعقد من الخرز. [16] ومع ذلك ، فإن التماثيل المصنوعة من الطين التي تم الكشف عنها في مهرجاره تظهر شخصية رجل يرتدي ما يُفسَّر عادة على أنه عمامة. تمثال "الكاهن الملك" من موقع موهينجو دارو يصور ارتداء شال عليه نقوش زهرية. حتى الآن ، هذا هو التمثال الوحيد من وادي السند الذي يُظهر الملابس بمثل هذه التفاصيل الواضحة. تماثيل أخرى لـ Dancing Girls ، تم التنقيب عنها من Mohenjo-daro ، تظهر فقط ارتداء الأساور والمجوهرات الأخرى. [17] ومع ذلك ، فإنه لا يقدم أي دليل ملموس لإضفاء الشرعية على تاريخ الملابس في عصر هارابان. ربما استخدم Harappans الألوان الطبيعية لصبغ نسيجهم. تظهر الأبحاث أن زراعة نباتات النيلي (جنس: إنديجوفيرا) كان سائدًا.

ذكر هيرودوت ، المؤرخ اليوناني القديم ، القطن الهندي في القرن الخامس قبل الميلاد على أنه "صوف يفوق جماله وخيرته من الأغنام". عندما غزا الإسكندر الأكبر الهند عام 327 قبل الميلاد ، بدأت قواته في ارتداء ملابس قطنية كانت أكثر راحة من ملابسهم الصوفية السابقة. [18] ذكر مؤرخ يوناني آخر ، سترابو ، حيوية الأقمشة الهندية ، وأخبر أريان عن التجارة الهندية العربية للأقمشة القطنية في عام 130 م. [19]

تمثال "الكاهن الملك" يرتدي رداءًا من 2400 إلى 1900 قبل الميلاد.

ال Didarganj Yakshi يصور التفاف dhoti حوالي 300 قبل الميلاد متحف بيهار (الهند)

يرتدي بوذا أردية كايا حوالي 200 قبل الميلاد متحف طوكيو الوطني (اليابان)

شكل قديم من شوريدار تم ارتداؤها خلال فترة جوبتا حوالي 300 بعد الميلاد المتحف الوطني (نيودلهي)

لوحة على لوح خشبي اكتشفها أوريل شتاين في داندان أوليك ، تصور أسطورة الأميرة التي أخفت بيض دودة الحرير في غطاء رأسها لتهريبها من الصين إلى متحف المملكة البريطاني في خوتان من القرن السابع إلى الثامن (لندن)

تحرير مصر القديمة

توجد أدلة على إنتاج قماش الكتان في مصر القديمة في العصر الحجري الحديث ، ج. 5500 ق. تم توثيق زراعة الكتان البري المستأنس ، والذي ربما يكون مستوردًا من بلاد الشام ، في وقت مبكر من ج. 6000 ق. تم استخدام ألياف اللحاء الأخرى بما في ذلك الذروة والقصب والنخيل والبردي بمفردها أو مع الكتان لصنع الحبال والمنسوجات الأخرى. الأدلة على إنتاج الصوف في مصر هزيلة في هذه الفترة. [20]

تضمنت تقنيات الغزل المغزل المتساقط ، والغزل اليدوي ، كما تم تقطيع خيوط الغزل على الفخذ. [20] تم استخدام نول أرضي أفقي قبل عصر الدولة الحديثة ، عندما تم إدخال نول عمودي ثنائي الشعاع ، ربما من آسيا.

استُخدمت ضمادات الكتان في تقليد الدفن في التحنيط ، ويصور الفن رجالًا مصريين يرتدون أقمصة من الكتان ونساء يرتدين فساتين ضيقة بأشكال مختلفة من القمصان والسترات ، غالبًا من القماش المطوي. [20]

زوج من الصنادل 1390-1352 قبل الميلاد ، العشب والقصب والبردي متحف متروبوليتان للفنون (مدينة نيويورك)

رسم توضيحي من الكتاب الأزياء والديكورات المصرية والآشورية والفارسية القديمة

رسم توضيحي لإلهة من الأزياء والديكورات المصرية والآشورية والفارسية القديمة

تمثال سوبخوتب السادس الذي يرتدي التنورة الرجالية المصرية شنديتمن متحف Neues (برلين ، ألمانيا)

تحرير الصين القديمة

تم العثور على أول دليل على إنتاج الحرير في الصين في مواقع ثقافة يانغشاو في شيا ، شانشي ، حيث يرجع تاريخ شرنقة بومبيكس موري ، دودة القز المستأنسة ، إلى نصفين بواسطة سكين حاد إلى ما بين 5000 و 3000 قبل الميلاد. كما شوهدت أجزاء من أنوال بدائية من مواقع ثقافة هيمودو في يوياو بمقاطعة تشجيانغ والتي يعود تاريخها إلى حوالي 4000 قبل الميلاد. تم العثور على قصاصات من الحرير في موقع ثقافة Liangzhu في Qianshanyang في Huzhou ، Zhejiang ، يعود تاريخها إلى 2700 قبل الميلاد. [21] [22] تم العثور على أجزاء أخرى من المقابر الملكية في [أسرة شانغ] (حوالي 1600 - 1046 قبل الميلاد). [23]

في عهد أسرة شانغ ، كانت ملابس هان الصينية أو هانفو تتألف من أ يي، سترة ضيقة بأساور بطول الركبة مربوطة برباط ، وتنورة ضيقة بطول الكاحل ، تسمى شانغ، تلبس مع بيكسي، وهو نسيج يصل إلى الركبتين. كانت ملابس النخبة مصنوعة من الحرير بألوان أساسية زاهية.

لوحة للإمبراطور ياو يرتدي شنيي

منسوجات حرير منسوجة من Mawangdui في Changsha (مقاطعة Hunan ، الصين) ، من القرن الثاني قبل الميلاد

ال ميانفو للإمبراطور وو من أسرة جين ، لوحة من القرن السابع لفنان البلاط يان ليبين

تحرير تايلاند القديمة

يمكن العثور على أقرب دليل على الغزل في تايلاند في الموقع الأثري لـ Tha Kae الواقع في وسط تايلاند. كانت ثا كاي مأهولة بالسكان خلال نهاية الألفية الأولى قبل الميلاد وحتى أواخر الألفية الأولى بعد الميلاد. هنا ، اكتشف علماء الآثار 90 قطعة من زورق مغزلي يعود تاريخه إلى القرن الثالث قبل الميلاد إلى القرن الثالث الميلادي. ويشير شكل هذه الاكتشافات إلى الروابط مع جنوب الصين والهند. [24]

تحرير اليابان القديمة

يرتبط أقدم دليل على النسيج في اليابان بفترة جومون. يتم تعريف هذه الثقافة من خلال الفخار المزخرف بأنماط من الحبال. في كومة صدفة في محافظة مياجي ، يعود تاريخها إلى حوالي 5500 ، تم اكتشاف بعض شظايا القماش المصنوعة من ألياف اللحاء. [25] تم اكتشاف ألياف القنب أيضًا في تل محار توريهاما بمحافظة فوكوي ، التي يعود تاريخها إلى فترة جومون ، مما يشير إلى أنه يمكن أيضًا استخدام هذه النباتات في الملابس. تصور بعض بصمات أنماط الفخار أيضًا تصميمات حصيرة دقيقة ، مما يثبت تقنيات النسيج الخاصة بهم. تُظهر الأنماط الموجودة على فخار جومون أشخاصًا يرتدون ملابس علوية قصيرة وسراويل ضيقة وأكمام قمع وأحزمة تشبه الحبال. تُظهر الصور أيضًا الملابس ذات الأنماط المطرزة أو التصاميم المقوسة المطلية ، على الرغم من أنه ليس من الواضح ما إذا كان هذا يشير إلى شكل الملابس أو ما إذا كان هذا مجرد أسلوب التمثيل المستخدم. كما أن الفخار لا يميز بين لباس الذكر والأنثى. قد يكون هذا صحيحًا لأنه خلال تلك الفترة الزمنية كانت الملابس للزينة أكثر من كونها تميزًا اجتماعيًا ، ولكن قد يكون ذلك أيضًا بسبب التمثيل على الفخار بدلاً من ارتداء الناس في الواقع في ذلك الوقت. منذ أن تم العثور أيضًا على إبر عظمية ، يُفترض أنهم كانوا يرتدون الفساتين التي تم خياطةها معًا. [26]

بعد ذلك كانت فترة Yayoi ، حيث تم تطوير زراعة الأرز. أدى ذلك إلى التحول من مجتمعات الصيد والجمع إلى المجتمعات الزراعية التي كان لها تأثير كبير على الملابس. وفقًا للأدب الصيني من تلك الفترة الزمنية ، بدأ ارتداء الملابس الأكثر ملاءمة للزراعة. على سبيل المثال ، ملفوف بطول غير مُخيط من القماش حول الجسم ، أو لباس من نوع المعطف بفتحة رأس مقطوعة بداخله. تشير نفس الأدبيات أيضًا إلى أن الماكياج الوردي أو القرمزي كان يرتدي ، ولكن أيضًا السلوكيات بين الناس من جميع الأعمار والأجناس لم تكن مختلفة تمامًا. ومع ذلك ، هذا أمر قابل للنقاش لأنه ربما كانت هناك تحيزات ثقافية في الوثيقة الصينية. هناك اعتقاد ياباني شائع بأن فترة Yayoi كانت مثالية تمامًا قبل أن يبدأ التأثير الصيني في الترويج لاستخدام الملابس للإشارة إلى العمر والجنس.

من 300 إلى 550 بعد الميلاد كانت فترة ياماتو ، وهنا يمكن اشتقاق الكثير من نمط الملابس من القطع الأثرية في ذلك الوقت. تخبرنا تماثيل القبور (هانيوا) بشكل خاص أن نمط الملابس تغير عن تلك التي تشير إلى الروايات الصينية عن العصر السابق. عادة ما ترتدي التماثيل زيًا من قطعتين له قطعة علوية بفتحة أمامية وأكمام قصيرة مع بنطلون فضفاض للرجال وتنورة مطوية للنساء. تم إدخال زراعة الحرير من قبل الصينيين في هذه الفترة الزمنية ، ولكن نظرًا لتكلفة الحرير ، لن يتم استخدامها إلا من قبل أشخاص من طبقات أو رتب معينة.

كانت الفترات التالية هي أسوكا (550 إلى 646 م) ونارا (646 إلى 794 م) عندما طورت اليابان حكومة موحدة وبدأت في استخدام القوانين والتصنيفات الاجتماعية الصينية. تتطلب هذه القوانين الجديدة من الناس ارتداء أنماط وألوان مختلفة للإشارة إلى الحالة الاجتماعية. أصبحت الملابس أطول وأوسع بشكل عام وكانت طرق الخياطة أكثر تقدمًا. [27]

الفترة الكلاسيكية للفلبين تحرير

اختلفت الملابس الفلبينية الكلاسيكية حسب التكلفة والموضة الحالية وبالتالي فهي تشير إلى المكانة الاجتماعية. كانت الملابس الأساسية عبارة عن تنورة Bahag والتنورة الأنبوبية - ما يسميه Maranao Malong - أو بطانية خفيفة ملفوفة حولها بدلاً من ذلك. ولكن تم إضافة ملابس أكثر فخامة ، lihin-lihin ، للمظاهر العامة وخاصة في المناسبات الرسمية - البلوزات والسترات ، والبناطيل الفضفاضة ذات الأكمام ، أو الكاب ، أو الجلباب بطول الكاحل. كانت المنسوجات التي صنعت منها متنوعة بالمثل. بالترتيب التصاعدي للقيمة ، كانت الأباكا ، الأباكا المزينة بخيوط القطن الملونة ، والقطن ، والقطن المزين بخيوط الحرير ، والحرير ، والمطبوعات المستوردة ، وأباكا أنيقة منسوجة من ألياف مختارة رقيقة مثل الحرير. بالإضافة إلى ذلك ، ذكر بيجافيتا كلاً من سلاسل G والتنانير المصنوعة من قماش اللحاء.

الملابس غير المخططة ، ومع ذلك لم يكن لها أسماء معينة. باندونغ، عباءة السيدة ، تعني ببساطة أي غطاء طبيعي ، مثل النمو على جذع الموز أو جذع الولادة. في باناي ، الكلمة كورونج، بمعنى الشعر المجعد ، تم تطبيقه على أي تنورة أو بلوزة قصيرة ، وبعض الأفضل منها المصنوع من chintz أو calico المستورد كان يسمى ببساطة باسم القماش نفسه ، tabas. لذا ، أيضًا ، فإن التنورة الملفوفة التي يطلق عليها التاجالوجيين التابيس بالكاد كانت تعتبر تنورة على الإطلاق: أطلق سكان فيسايان عليها اسم هابول (مواد منسوجة) أو هالونج (أباكا) أو حتى هولون (وشاح).

كان غطاء الرأس المعتاد للذكور هو pudong ، وهو عمامة ، على الرغم من أن الرجال والنساء في باناي كانوا يرتدون أيضًا قطعة قماش أو باندانا تسمى سبلونغ. كان عامة الناس يرتدون بودونغ من قماش أباكا خشن ملفوفًا حول بضع لفات فقط بحيث كان أكثر من عصابة رأس أكثر من عمامة وبالتالي كان يطلق عليه بودونغ بودونغ - مثل تم تسمية التيجان والأكاليل الموجودة على الصور المسيحية فيما بعد. أحمر بودونغ كانت تسمى magalong ، وكانت شارة الشجعان الذين قتلوا عدوًا. النوع الأكثر شهرة بودونغ، مقصورًا على الأكثر شجاعة ، كان ، مثل خيوط G الخاصة بهم ، مصنوعًا من البينايوسان ، وهو أباكا شاش رفيع من الألياف المختارة لبياضها ، مصبوغة بربطة عنق قرمزية عميقة بأنماط دقيقة مثل التطريز ، ومصقولة إلى لمعان حريري . تم إطالة مثل هذا pudong مع كل عمل إضافي من الشجاعة: لذا فإن الأبطال الحقيقيين يتركون أحد طرفيهم يتدلى مع الإهمال المتأثر. ترتدي النساء عمومًا منديلًا يسمى tubatub إذا تم سحبه بإحكام على الرأس بالكامل ولكن كان لديهن أيضًا قبعة عريضة الحواف تسمى sayap أو tarindak ، منسوجة من أوراق نخيل الساغو. كان من الواضح أن بعضها كان من علامات الرتبة: عندما ذهبت ملكة هومابون لسماع قداس أثناء زيارة ماجلان ، سبقها ثلاث فتيات يحملن إحدى قبعاتها. كان يطلق على غطاء الرأس من سيبو ذو التاج العميق ، الذي يستخدمه كلا الجنسين للسفر سيرًا على الأقدام أو بالقوارب ساروك، وهو ما يعني في الواقع الذهاب إلى الماء. [28]

تحرير اليونان الكلاسيكية

كان النسيج في اليونان القديمة يُنسج على نول ثقيل الوزن. أول صورة موجودة للنسيج في الفن الغربي هي من تيراكوتا ليكيثوس في متحف متروبوليتان للفنون ، نيويورك. المزهرية ، ج. ٥٥٠-٥٣٠ قم ، تصور امرأتين تنسجان في نول قائم. يتم ربط خيوط السداة ، التي تمتد عموديًا إلى قضيب في الأعلى ، معًا بأوزان في الجزء السفلي ، مما يجعلها مشدودة. المرأة على اليمين تدير المكوك الذي يحتوي على خيط النسيج عبر منتصف السداة. تستخدم المرأة الموجودة على اليسار مضربًا لربط الخيوط المنسوجة بالفعل. [29]

كان اللباس في العصور الكلاسيكية يفضل الأطوال الواسعة غير المخيطة من القماش ، والمثبتة والملفوفة على الجسم بطرق مختلفة.

تتكون الملابس اليونانية القديمة من أطوال من الصوف أو الكتان ، مستطيلة بشكل عام ومثبتة عند الكتفين بدبابيس مزخرفة تسمى الشظية ومربوطة بحزام. كانت الملابس النموذجية هي البيبلوس ، وهو رداء فضفاض ترتديه النساء كلامي ، وعباءة يرتديها الرجال وخيتون ، وسترة يرتديها كل من الرجال والنساء. تم تعليق الكيتونات الرجالية على الركبتين ، بينما سقطت الكيتونات النسائية على الكاحلين. تم ارتداء عباءة طويلة تسمى الهيماتيون فوق البيبلوس أو الكلامي.

كانت توجا روما القديمة أيضًا عبارة عن قماش صوفي غير منسوج ، يرتديه مواطنون ذكور ملفوفون حول الجسم بأزياء مختلفة ، فوق سترة بسيطة. كانت الستر المبكرة عبارة عن مستطيلين بسيطين مرتبطان عند الكتفين والجانبين لاحقًا كانت الستر قد خيطت الأكمام. كانت النساء يرتدين الستولا الملفوفة أو سترة بطول الكاحل ، مع وشاح يشبه الشال كملابس خارجية. كان الصوف هو النسيج المفضل ، على الرغم من ارتداء الكتان والقنب وكميات صغيرة من الحرير والقطن المستورد الغالي الثمن.

تحرير العصر الحديدي في أوروبا

يُعرف العصر الحديدي على نطاق واسع بأنه يمتد من نهاية العصر البرونزي حوالي 1200 قبل الميلاد إلى 500 م وبداية فترة العصور الوسطى. تم العثور على أجساد وملابس من هذه الفترة ، محفوظة من خلال الظروف اللاهوائية والحمضية لمستنقعات الخث في شمال غرب أوروبا. يشير الترويح الدنماركي عن الملابس الموجودة بهذه الأجسام إلى الفساتين الصوفية المنسوجة والسترات والتنانير. [30] كانت إلى حد كبير غير شكلية ومثبتة في مكانها بأحزمة جلدية ودبابيس معدنية أو دبابيس. لم تكن الملابس دائمًا بسيطة ، ولكنها تضمنت زخرفة بألوان متباينة ، خاصة في نهايات وحواف الثوب. كان الرجال يرتدون المؤخرات ، ربما مع التفاف السيقان السفلية للحماية ، على الرغم من أن باوتشر ذكر أنه تم العثور أيضًا على سراويل طويلة. [31] يأتي الدفء من الشالات الصوفية والعباءات المصنوعة من جلد الحيوانات ، والتي ربما يتم ارتداؤها مع مواجهة الفراء للداخل لمزيد من الراحة. كانت القبعات تُلبس ، مصنوعة أيضًا من الجلود ، وكان هناك تركيز على ترتيبات الشعر ، من الضفائر إلى عقد السويبيان المتقنة. [32] الأحذية ذات الأربطة الناعمة المصنوعة من الجلد تحمي القدم.

لقد ألهم تاريخ الملابس والمنسوجات الأوروبية في العصور الوسطى قدرًا كبيرًا من الاهتمام الأكاديمي في القرن الحادي والعشرين. قام بالتأليف إليزابيث كروفوت وفرانسيس بريتشارد وكاي ستانيلاند المنسوجات والملابس: اكتشافات العصور الوسطى من الحفريات في لندن ، حوالي 1150 - 1450 (Boydell Press ، 2001). الموضوع أيضا موضوع سلسلة سنوية ، الملابس والمنسوجات في العصور الوسطى (Boydell Press) ، تم تحريره بواسطة Robin Netherton و Gale R. Owen-Crocker ، الأستاذ الفخري للثقافة الأنجلو ساكسونية في جامعة مانشستر.

تحرير بيزنطة

صنع البيزنطيون وصدروا قماشًا غنيًا بالنقوش ، منسوجًا ومطرزًا للطبقات العليا ، ومصبوغًا ومطبوعًا بالمقاومة للطبقات الدنيا. [33] بحلول عهد جستنيان ، تم استبدال التوجة الرومانية بالغطاء الغيني ، أو لفترة طويلة الكيتون، لكلا الجنسين ، حيث ارتدت الطبقات العليا ملابس أخرى مختلفة ، مثل أ دالماتيكا (dalmatic), a heavier and shorter type of tunica short and long cloaks were fastened on the right shoulder.

Leggings and hose were often worn, but are not prominent in depictions of the wealthy they were associated with barbarians, whether European or Persian. [34]

Early medieval Europe Edit

European dress changed gradually in the years 400 to 1100. People in many countries dressed differently depending on whether they identified with the old Romanised population, or the new invading populations such as Franks, Anglo-Saxons, and Visigoths. Men of the invading peoples generally wore short tunics, with belts, and visible trousers, hose or leggings. The Romanised populations, and the Church, remained faithful to the longer tunics of Roman formal costume. [35]

The elite imported silk cloth from the Byzantine, and later Muslim, worlds, and also probably cotton. They also could afford bleached linen and dyed and simply patterned wool woven in Europe itself. But embroidered decoration was probably very widespread, though not usually detectable in art. Lower classes wore local or homespun wool, often undyed, trimmed with bands of decoration, variously embroidery, tablet-woven bands, or colorful borders woven into the fabric in the loom. [36] [37]

High Middle Ages and the rise of fashion Edit

Clothing in 12th and 13th century Europe remained very simple for both men and women, and quite uniform across the subcontinent. The traditional combination of short tunic with hose for working-class men and long tunic with overdress for women and upper-class men remained the norm. Most clothing, especially outside the wealthier classes, remained little changed from three or four centuries earlier. [38]

The 13th century saw great progress in the dyeing and working of wool, which was by far the most important material for outerwear. Linen was increasingly used for clothing that was directly in contact with the skin. Unlike wool, linen could be laundered and bleached in the sun. Cotton, imported raw from Egypt and elsewhere, was used for padding and quilting, and cloths such as buckram and fustian.

Crusaders returning from the Levant brought knowledge of its fine textiles, including light silks, to Western Europe. In Northern Europe, silk was an imported and very expensive luxury. [39] The well-off could afford woven brocades from Italy or even further afield. Fashionable Italian silks of this period featured repeating patterns of roundels and animals, deriving from Ottoman silk-weaving centres in Bursa, and ultimately from Yuan Dynasty China via the Silk Road. [40]

Cultural and costume historians agree that the mid-14th century marks the emergence of recognizable "fashion" in Europe. [41] [42] From this century onwards, Western fashion changed at a pace quite unknown to other civilizations, whether ancient or contemporary. [43] In most other cultures, only major political changes, such as the Muslim conquest of India, produced radical changes in clothing, and in China, Japan, and the Ottoman Empire fashion changed only slightly over periods of several centuries. [44]

In this period, the draped garments and straight seams of previous centuries were replaced by curved seams and the beginnings of tailoring, which allowed clothing to more closely fit the human form, as did the use of lacing and buttons. [45] A fashion for mi-parti أو parti-coloured garments made of two contrasting fabrics, one on each side, arose for men in mid-century, [46] and was especially popular at the English court. Sometimes just the hose would have different colours on each leg.


The Democratization of Fashion: A Brief History

“Fashion for all” is hardly a novel conceit. It has no single beginning to pinpoint it’s the unceasing stream of information between the fashion industry and its consumers that has existed since seamstresses first sewed custom-designed gowns (haute couture almost literally means high sewing) for queens and socialites.
Long before fashion weeks showcased the next season’s trends some six months in advance, designers held trunk shows for aristocratic clients to order before they packed up and shipped off for extended vacations. Money and status weren’t the only barriers to all-access fashion. In the early days of Mercedes-Benz Fashion Week, it was called Press Week with store buyers prohibited from attending.

Still, the artificial walls between the people and high fashion have never stood from floor to ceiling. The democratization of fashion largely started when مجلة فوج first pressed pages in 1892 and New York rolled out Press Week runways in 1943 to divert attention from couturiers in Paris, which was Nazi-occupied and therefore impenetrable to the needy stateside fashion world. Its DNA partly lies in Anna Wintour’s choice to put Michaela Bercu in jeans on the first cover she oversaw at the helm of Vogue and her engineering Fashion’s Night Out during the recession in 2009 to encourage full-price shopping through red carpet treatment.

Fast forward to 2013, when Mercedes-Benz Fashion Week announced that all 54 shows would be streamed online from Lincoln Center on Mercedes-Benz Fashion Week’s own website (as opposed to YouTube, which has done so for the past three years), the once-exclusive world of fashion and beauty struts ever further from its once exclusive realm. Not only are the designs and styles more accessible than ever, the entire industry, from inspiration to presentation, are exposed to anyone with a keen curiosity.

Social media’s constructed craving for minute, behind-the-scenes details and access kicked in the door that these institutions opened, which had since been propped open by expository reality TV, diffusion brands and fast fashion.

Here, we take a look at this brief history of the democratization of fashion.

Target/Isaac Mizrahi: Fans of Prabal Gurung, Proenza Schouler and Missoni should thank Isaac Mizrahi for designing Target’s first high-end diffusion collection 10 years ago. Mizrahi was an acclaimed designer with an inconsistent track record before he paired up with Target to design clothing and home goods under his name in 2002. The venture was mutually beneficial—Mizrahi’s clothing, accessories, bedding and more sold for as much as $300 million a year and created luster for the chain bargain store. The six-year partnership made Mizrahi a household name and turned Target into a destination for high fashion. Marc Jacobs and Vera Wang have since lent their name and vision to store items.

Street style Blogs/Instagram/Twitter: When Man Repeller Leandra Medine invites Instagrammers to her arm parties, she lets them simultaneously mingle with Hermes and Forever 21. The fashion blogger’s take on style—“outfitting oneself in a sartorially offensive mode that may result in repelling members of the opposite sex”—exemplifies the ironic nature of haute couture. It is elusive and expensive, but often impractical and unappealing. Medine’s method of mixing high and low is typical of the most popular fashion blogs, which show readers how to mix as few as one luxe item into an outfit. Cupcakes and Cashmere, The Sartorialist, Atlantic-Pacific and others show “normal,” i.e. not (at least prior to blogging) famous or particularly wealthy subjects regularly wearing fashionable outfits. The blogs, whether informative or self-serving (or both), inspire shoppers to binge and/or experiment, which creates curiosity in and consumers for high-end brands.

Social media has become the great equalizer in fashion. Insiders use social media the same way that Medine does, and in doing so, reveal traces of inspiration and mystery. Prabal Gurung Instagram photos of stimulating images like a bright-colored sari and Oscar PR Girl shares behind-the-scenes pictures and anecdotes with Oscar de la Renta to her Instagram accounts. Alexander Wang, Christian Louboutin and Diane von Furstenberg are among the most popular designers on Twitter, with hundreds of thousands of followers each. Their tweets, whether mundane or scintillating, demystify the fashion industry and let followers interact with every part of the process.

ANTM/Project Runway: The reality show juggernauts are as backstage as it gets. Project Runway shows how a seed of creativity blossoms into a 10-look runway show through the course of a three-month season. Aspects like standby judge Michael Kors’ commentary presented fashion through the eyes of seasoned veterans. The show lets viewers spot uneven hems, critique a gown’s fit, think like a designer and watch a sartorial story unfold as if they are sitting in the front row of an avant garde show. Similarly, America’s Next Top Model turned interest in model from niche to normal. Watching hopeful cover girls walk, pose and mug for Tyra Banks, Twiggy and Janice Dickinson educates viewers on smizing and strutting as a living. The shows aim to entertain, but the effect is also a diffusion of fundamental layers of the fashion cake.

Fast Fashion: As the famous scene in Devil Wears Prada points out, a trickle-down effect is inevitable, but close copies are taboo. For that reason, we have fast fashion. Fast fashion was born in the 80’s, but the public’s keen eye on catwalks has made it a dynamic adult. The process is familiar–stores like Zara, Topshop, H&M and Forever 21 parlay runway designs into similar cuts, colors and patterns to be sold sooner and for less in more stores. It’s not without its controversy Forever 21 has faced several intellectual property lawsuits for mimicking fashion houses like Anna Sui and Diane von Furstenberg. The temptation to capitalize on the hottest trends is hard to resist, as it is cheap to do, it generates billions of dollars and earns the store a cache for being constantly in vogue, even if the designs are not original. Whatever the origin, the product has the effect of making every sidewalk a runway. Fast fashion stores allow even broke fashionistas to parrot their favorite designers or celebrities at a fraction of the price. It’s ubiquitous, but it makes people care about, say, Rodarte, in a way they might not otherwise.

Broadcasting Lincoln Center Shows: Mercedes Benz Fashion Week’s live broadcasts make the circle of life between designers and the masses a little tighter. Curious consumers can ogle next season’s biggest trends without a press pass or hobnobbing with celebrities, for better or worse. Perhaps that’s the biggest difference–physical presence. Virtual access to high fashion, whether online on TV or on knockoffs is cheaper and easier, it’s far more democratic. But being able to say “I was there?” It seems that that is still priceless.


Textiles were invented when humans needed them and some of them were invented by different cultures that never had any mutual contacts. Some were invented with one intent only to be later used for completely different one. History of textile is wide and colorful.

Knitting and weaving are two very interesting achievements of human race. Nobody knows who was the first who got the idea to make fabrics in that way but we know that the idea was brilliant.


Glossary of Renaissance Fashion

Once again I shall make a glossary of clothing terms, this time from the Renaissance. Some of the terms I defined for Medieval clothing were also used during the Renaissance and I will most likely use some of those terms in current posts, so their definitions can be found here.

basquine — boned bodice made of whalebone and leather, gave the appearance of wider shoulders tapering to a tiny waist (women)

beret— thin, loose hats that usually tilted towards one side of the head

bombasting — stuffing for trunk hose, peascod-belly, and leg-of-mutton sleeves, composed of rags, flock, and other materials

bourrelet — wider version of the farthingale adapted in France, more cylindrical in shape rather than conical (women)

bum roll/bolster — roll of padding tied around the hip line to hold the skirt out from the body, less restrictive than the farthingale (women)

كاميسيا — undershirt usually made of white linen (men)

canions — upper stocks worn from the doublet to the knee (men)

chopines — shoes that elevated the wearer, eventually developed into high heels

crescent cap — circular/heart-shaped cap worn towards the back of the head with a velvet veil covering the rest of the hair

codpiece — padded triangle of fabric worn laced to the front of the trunk hose over the groin (men)

copotain — high bell-shaped hat

duckbill shoes/scarpines/ox-mouth shoe — large, wide, square-toed shoes often decorated with jewels or slashes (men)

enseigne — disc-shaped hat ornament, usually extremely detailed with jewels/carvings (men)

farthingale — topmost petticoat, hooped to give shape to the skirt (women)

finestrella sleeves — sleeves where the outer fabric was slit horizontally and the sleeves of the undergarment were pulled through (women)

flat cap — flat hat with soft crown and moderately broad brim (men)

funnel sleeves — sleeves that were fitted at the upper arm and ballooned out, fitted tightly around wrist

Kennel or Gable Headdress

jerkin— short velvet or leather jacket, usually sleeveless (men)

kennel/gable headdress — pentagonal piece worn over the top of the head with veil/bag cap of dark velvet attached to the back and covering hair (women)

leg-of-mutton sleeves — puffed sleeves that extended the entire length of the arm

neck wisk — a falling ruff that was open at the front, resembling a collar

nether stocks — trunks worn under breeches, long enough so that the bottoms could be seen (men)

pantofles — wooden platforms attached to the sole of the shoe with pieces of fabric to protect them from rain, snow, and mud

peascod-belly doublet — doublet rounded at the abdomen to give the appearance of a filled-out belly (men)

points — resembled shoelaces, used to attach trunk hose to doublets or sleeves to doublets or bodices (lacing/trussing)

pokes — apron-like pockets tied to the doublet (men)

ruff — starched (often with different colors) and wired collar pleated into ruffles, could be made of lace or jeweled, usually had matching cuffs

shoe rose — decoration usually made of lace or jewels that was worn at the front of the shoe

slashing and puffing — slits cut in a garment with fabric from the undergarment pulled through to form puffs

stomacher — stiffened triangular piece worn at the front of the bodice, reaching from neckline to lower abdomen (women)

supportasse — frames of silk-colored wire pinned underneath the ruff to keep it in place

trunk hose/pumpkin hose — ballonish-looking breeches that extended from the end of the doublet to about mid-thigh (men)

البندقية— full breeches that reached the knee

verdingale/farthingale frill — stiff wheel of fabric, often pleated, worn between the bodice and the skirt (women)

wasp waist — deep V-shaped waistline that extended over the skirt

أجنحة — rolled fabric worn vertically around each shoulder, between the sleeve and the bodice

wisk/Medici collar — fan-shaped pleated collar, stiffened with wire and open at the front

zipone — buttoned tunic that reached the knee worn over the doublet (men)

zornea — cape with wide sleeves, belted at the waist (men)


Figs in the Garden

The deciduous fig tree can live as long as 100 years and grow to 50 feet tall, though they more typically stay between 10 to 30 feet. The twisty branches spread wider than the tree height. Figs flourish in hot, dry climates and the fruit requires the all-day sun to ripen.

Botanically, the fig isn't actually a fruit but a syconium. It's a portion of the stem that expanded into a sac containing flowers that grow internally. The common fig contains only female flowers and propagates without pollination. Other cultivars require pollination.


The Complicated Rise and Fall of Udoli, an Unsung Subculture of Black Fashion History

Udoli style (source)

Black women have been at the forefront of many cultural trends throughout the centuries, from hoop earrings worn by ancient Nubian civilisations and 80s disco divas alike, to streetwear trends pioneered by R&B and Hip Hop artists of the 90s. There is one unsung fashion subculture however, which never quite took off with mainstream consumers but for a small group of young Black women on the internet, it became a lifestyle. Let’s take a look at the fashion non-phenomenon known as: Udoli.

Variations of Udoli and Ulzzang (via Tumblr)

In the mid-00s there was a sudden boom of Western intrigue in Eastern culture, particularly Japanese and Korean culture thanks to the rise of social media sites like Myspace, Facebook, and Twitter, which encouraged a wider exposure to trends like anime, K-pop and J-pop. Some of the most popular fashion trends to take off were kawaii fashion subcultures that allow for self-transformation centered around cuteness and doll-like archetypes. Style genres emerged such as “Ulzzang” (ool-jung) a Korean term meaning ‘best face’, “Lolita fashion” highly influenced by Victorian clothing and styles from the Rococo period, and “Gyaru” (the Japanese pronunciation of the word gal), an eclectic Japanese street style with a dizzying array of variations and subcategories.

While these new interests were popular online, they were still largely unknown to mainstream western culture. As a result, westerners with fringe interests turned to the internet to build communities where they could learn more and connect with other teens who shared their tastes in eastern fashion, music, and media. But for darker skinned participants, it turned out to be a different story.

Ulzzang looks. Source: @dani.theflowerthief مصدر

In many Ulzzang groups, it was common practice to hold something known as “best face” contests in which any member of the community could enter and other members could vote or comment on their pictures. But when Black or other darker skinned enthusiasts entered, they were swiftly discouraged. Troubling biases such as the right nose size, bone structure, mouth shape or skin tone came into play and the forums became rife within online bullying. While Asian and white participants were being praised as the most “kawaii” (a Japanese word for cute) or consistently winning the “best face” contests, the message was clear. And when Black and Brown members spoke up about their mistreatment online, they were often dismissed as being overly sensitive.

b-Gyaru looks (via)

To further complicate matters within the youth subculture, in one niche sub genre of Gyaru called ‘b-Gyaru‘, which draws influence directly from Black American hip-hop culture (yes the ‘B’ does mean what you think it means), Black participants also found themselves excluded and criticised for not being “kawaii” enough.

b-Gyaru looks (via) b-Gyaru looks (via) b-Gyaru look (via Tumblr)

Despite the fact that many Gyaru girls wore appropriated style such as box braids, acrylic nails, hoop earrings and even darker makeup to achieve a more tanned skin tone, Black girls were even told the make-up didn’t “look right” on them. Black Gyaru members, who were undeniably skilled at recreating the looks and styles of the fashion were often the subject of vitriolic gossip on online hate forums like Gyaru Secrets, a gossip blog for Gyaru girls.

So this brings us to creation of Udoli …

Udoli (via)

Udoli (the Zulu word meaning Doll) was a subculture of fashion created in 2008 by Ulzzang enthusiast, Vivi Jochan, in response to the discriminatory gatekeeping she had faced from those communities. “A fashion movement that tries to bring out the beauty of different cultures … ANYONE can be udoli,” read the genre’s official byline. The group originally emerged as a safe space for Black and Brown girls who were interested in Gyaru and Ulzzang, a haven for young girls who shared similar interests in music, fashion, anime, and art. Vivi would eventually hand the reins of the burgeoning Udoli movement over to another fashionista by the name, Nuru, who went on to transform Udoli into its own distinct genre of fashion. Nuru envisioned Udoli as a new style altogether, that would centre Black women and provide an alternative to Ulzzang, Gyaru as well as other Asian sub fashions. She, along with a team of other Udoli members, collaborated to conceptualise six different sub categories for Udoli by drawing influence from African, Caribbean, and Native American cultures as well as the already existing Asian styles.

Nuru, was determined to distinguish Udoli as its own style rather than ‘Black ulzzang’ as it had come to be known. This gave all of the members a common goal to work towards and further built up a sense of community. Group members helped to refine the genre by creating their own interpretations of each sub category via YouTube tutorials and lookbooks. The teenage fashionistas created Tumblr blogs, Pinterest boards, Polyvore pages and playlists for inspiration, while other members would use these guidelines to cultivate their own personal Udoli style.

Kawaii looks (via) A Udoli look (more via Tumblr)

During its most active years, Udoli photoshoots, makeup tutorials and blogs began popping up all over the web as participants endeavoured to spread the word about their subculture. There was even a —now defunct— official Udoli website and contests were held to boost group morale and encourage participation. The community was small, but its participants were genuine in their enthusiasm for the inclusive message and intent of Udoli.

Udoli styles (source)

Udoli was not without its detractors, however. Outsiders ridiculed Udoli’s efforts, accusing the genre of “ripping off” Ulzzang and Gyaru. As participation grew, Udoli also faced legitimate criticism regarding cultural appropriation. In a now lost Tumblr post, an African fashion blogger noted that painting cat whiskers and dots on your face was not representative of Africa and that Africa was more than animal prints and face spots. In response to this, an African Udoli member created a visual guide on the significance of dot placements in different African cultures.

Despite these criticisms, the members of Udoli, continued to cultivate and promote the style, but by 2013, Udoli was struggling to retain its veteran members. The founding members who were still around were either more interested in other subcultures, outgrowing alternative fashion, or were experiencing burn outs from trying to mobilize Udoli for so long. A few of the original members who were still around worked hard to revitalise Udoli by creating new contests, Q&A’s, and putting together style guides, but these efforts were in vain more often than not. New girls joining the lifestyle would find moderately inactive groups and eventually, Udoli’s long appointed leader, Nuru, announced her intentions to step away from Udoli, stating that she felt the style had run its course. In 2016, the Udoli Facebook group would cease activity.

via The Udoli Tumblr

Despite its inability to establish itself as a fashion foothold, if nothing else, Udoli highlights Black women’s perseverance and ability to form a sense of community in the face of discrimination. Brief as it was, Udoli is a piece of forgotten Black American fashion history and unquestionably, a product of its time.

Variations of Udoli and “Black Ulzzang” (via Tumblr)

As a former Udoli member looking back on myself and these young women, we were simply trying to do what other people are able to do on the internet – just exist and have fun exploring fashion. We might have gone about it the wrong way but we were out there creating a whole new fashion subculture. In a sense, we were ahead of the trends in many ways, because right around that same time, the natural hair movement was taking off as well as the Carefree Black girl movement (arguably pre-Cottagecore). And now we have settled on Black Girl Magic. I will always look back on my time with Udoli with fondness. It will probably never be replicated and should stay exactly where it is, but you had to be there to understand just how special Udoli was.


Fashion designing - the then and now

Fashion designing can be loosely defined as 'the art of creating fashionable apparel '. With the passage of time, however, the concept of 'fashion designing' has extended to other things such as fashion accessories such as jewellery, bags, footwear, etc. Keeping in mind the evolution of fashion designing, it would not be wrong to define it as 'the creation of fashion '.

Fashion designing has indeed come a long way from the mere designing of clothing. Fashion designing has evolved into a full-fledged industry today. It is well accepted as a career option all over the world. Apart from designing, there are a number of other career alternatives that have emerged in this industry with the passage of time. This article seeks to study the evolution of the industry of fashion designing the then and now.

ال origin of fashion designing dates as far back as 1826. Charles Frederick Worth is believed to be the first fashion designer of the world, from 1826 to 1895. Charles, who was earlier a draper, set up a fashion house in Paris. It was he who started the tradition of fashion houses and telling his customers what kind of clothing would suit them.

During this period, a number of design houses began to hire the services of artists to develop patterns for garments. Patterns would be presented to the clients, who would then place an order if they liked them. It was during this timeframe that the tradition of presenting patterns to the customers and then stitching them began, instead of the earlier system wherein the finished garments would be presented to them.

In the beginning of the 20 th century, new developments in fashion would take place in Paris first, from where they would spread to the rest of the world. New designs of clothes would be born in Paris before they found their way to other parts of the world. In other words, Paris emerged as the 'fashion capital'. 'Fashion' during this period was mostly ' haute couture ', exclusively designed for individuals.

Towards the mid-20 th century, fashion garments began to be mass-produced. The bulk of production increased, and people began to have more choices of garments. Towards the end of the 20 th century, fashion awareness among people increased, and they began choosing clothes for themselves based on comfort and their own style, instead of relying on the trends prevailing in the market.

Today, as stated above, f ashion designing is well accepted as a career option . A number of institutes have come up the world over, offering courses in various arenas of fashion. The number of students who consider fashion as a serious career and who have gone in for courses in the same has gone on rising over the years.

Specializations in fashion designing have come into being. There is a wide range of options for a designer to choose from, such as lingerie, swimwear, women's wear, bridal wear, children's wear, men's wear, footwear, handbags, etc. Fashion designers used to be self-employed earlier now find a number of career opportunities open for them. They can work with garment firms and export houses. They may also be engaged in the job of remodeling haute couture and adapting them to the tastes of the mass market. They might also hold jobs in departmental stores or specialty stores.

Developments in the field of fashion designing have given rise to other related career paths such as hairstylist, make-up artist, fashion journalists, fashion advisors, fashion photographers, etc.

Another significant change that has come about in the fashion designing industry in recent times is the increased use of computers and technology . A number of software packages have come up to aid designers in the process of designing as well as other stages in the production of a garment, easily and speedily.

Fashion designing as a trade has also grown. Fashion designers have gone on to get repute not only in their own countries, but internationally as well. The number of fashion shows and participation in the same has gone up considerably in recent times.

Fashion designing is thus no longer only the designing and creation of a garment, but it is a world in itself involving fashion, design, creativity, technology as well as business.


شاهد الفيديو: أين تقع بلاد ما بين النهرين (أغسطس 2022).